Tag: Seni

Ekspresionisme: Gerakan Seni dan Budaya

No Comments

Ekspresionisme bukan hanya gerakan seni; itu adalah gerakan budaya yang berasal dari seni lukis dan puisi di Imperial Jerman tepat sebelum Perang Dunia I (di mana ia sangat dianggap sebagai avant-garde). Namun, selama 1920-an Berlin itu sepenuhnya dihargai oleh massa.

Pada tahun 1910, sejarawan seni Ceko, Antonin Matejcek, memberikan apa yang disebut gerakan dengan namanya, dan menyatakan bahwa itu adalah kebalikan dari impresionisme. Yang sangat menarik tentang Seni Ekspresionis adalah bahwa lebih sering daripada tidak, karya ini secara estetika rata-rata; Namun, hampir setiap bagian telah dirancang dan memiliki kemampuan untuk menanamkan emosi yang kuat di penonton karena drama dan kadang-kadang penggambaran kekerasan dunia.

Sekolah seni, dengan tradisi mereka mengolah ekspresi pribadi melalui seni untuk murid-murid mereka, menunjukkan Ekspresionisme dan Seni Ekspresionis dengan semangat dan energi sebagai tema-tema Ekspresionisme yang bertujuan untuk menggambarkan dunia dari sudut pandang yang sepenuhnya subjektif, sering dengan distorsi ganas duniawi. lingkungan untuk mengilhami emosi dan transmisi yang tajam dan kuat dari suasana hati, konsep, dan pikiran / mimpi individual.

Seni ekspresionis membawa dogma untuk mengekspresikan pengalaman emosional bagi senimannya, dan gerakan ini mencakup sebagian besar bentuk seni, seperti teater, tari, sastra, film, musik, lukisan, dan arsitektur. Ini adalah salah satu alasan mengapa Seni Ekspresionis populer di sekolah seni, karena sifat fleksibel gerakan dan berbagai elemen budaya yang dianutnya.

Ekspresionisme adalah keingintahuan karena tidak pernah menjadi gerakan formal, di luar fakta bahwa para intelektual di Jerman menantang status quo dengan karya seni mereka. Kelompok Blue Rider (der Blaue Reiter), yang diketuai oleh Wassily Kandinsky, dan Friedrich Nietzsche mengatur kodifikasi tema-tema yang meresap sebagian besar yang disebut Seni Ekspresionis dengan karya-karya grafis dan lukisan-lukisannya. Nietzsche menunjukkan bahwa unsur-unsur penting dari ekspresionisme menyalurkan dewa Yunani Dionysus (Dionysian) dan dicirikan oleh warna-warna berani, terdistorsi bentuk-dalam-pembubaran, dan dua dimensi yang membuang perspektif linear.

Gerakan Art Deco – Pondasi Batu Seni Modern

No Comments

'Art Deco' adalah gerakan desain internasional utama, yang tersebar dalam rentang waktu empat belas tahun, dari tahun 1925 hingga 1939. Ini memainkan peran penting dalam perkembangan dan perkembangan Seni Modern. Gerakan Deco mewujudkan perpaduan gaya seni dekoratif modern yang berbeda, sebagian besar dari tahun 1920-an dan 1930-an. Gaya ini adalah turunan dari beberapa filosofi seni state-of-the-art abad kedua puluh, termasuk 'Neoklasik,' 'Konstruktivisme,' 'Kubisme,' 'Modernisme,' 'Art Nouveau,' dan 'Futurisme.' Gerakan Deco mempengaruhi berbagai seni dekoratif, seperti arsitektur, perancangan interior, perancangan industri, dan bentuk seni rupa seperti mode, lukisan, seni grafis, dan bioskop.

Istilah 'Art Deco' diciptakan dalam sebuah pameran, 'Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes,' diadakan di Paris, pada tahun 1925. Pameran ini diselenggarakan oleh beberapa seniman Perancis untuk mempromosikan penciptaan genre seni baru. , disesuaikan dengan gaya hidup kontemporer, rasa individualitas yang berbeda, dan pengerjaan yang bagus. Penyelenggara pameran ini adalah anggota masyarakat, 'La Societe des artistes decorateurs,' termasuk, Hector Guinmard, Eugene Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, dan Emily Decour. Istilah 'Art Deco' bagaimanapun, mendapatkan pengakuan luas hanya pada tahun 1968, ketika sejarawan seni Bevis Hiller, keluar dengan bukunya yang populer, 'Art Deco dari 20-an dan 30-an,' dan menyelenggarakan sebuah pameran, 'Art Deco,' di Institut Seni Minneapolis.

Gerakan ini dibedakan karena abstraksinya, manipulasi, dan penyederhanaan bentuk geometrik yang ditentukan, dan penggunaan warna yang hidup. Skema warna tebal dan kurva pencampuran adalah titik fokus dari kreasi 'Deco' sejati. Apa yang disebut 'seni kuno' di Afrika, Mesir Kuno, dan Aztec Meksiko, secara jelas mengilhami gerakan ini. Di era mesin dan teknologi yang merampingkan, penggunaan material, seperti plastik, enamel, beton yang mengeras, dan jenis kaca yang tidak biasa, 'vita-glass,' sangat memengaruhi pergerakan. Ada bukti yang cukup untuk menunjukkan penggunaan material, seperti aluminium, stainless steel, lacquer, kayu hias, bersama dengan bahan eksotis, seperti zebra dan kulit ikan hiu.

The Empire State Building, yang terkenal dengan strukturnya yang mirip piramid, dan Chrysler Building, yang dikenal dengan kubahnya yang melengkung, adalah contoh-contoh yang hidup dari gaya 'Deco'. Gerakan ini bahkan menguraikan industri fashion Paris pada tahun 1920-an. Gaun-gaun itu memakai tombol kromium besar, topi cloche yang memeluk kepala dikenakan dengan kerah bulu besar, anting-anting menjuntai, dan apa yang disebut 'gaya rambut bob, semua itu benar-benar baru dan terlihat revolusioner. Gedung BBC di Portland Place dan ruang bawah tanah Strand Palace Hotel, London adalah contoh gaya 'Art Deco' murni. Popularitas gerakan ini mengalami pemukulan selama akhir 30-an dan 40-an, tetapi memperoleh kembali kemilau yang hilang dengan lonjakan berikut 'desain grafis' pada 1980-an.

Lukisan Barat – Gerakan Seni Barat – Abstraksi Liris

No Comments

Sejarah

Abstraksi Liris mengacu pada istilah Modernis Pasca perang, sering digunakan secara bergantian dengan Art Informel dan Ekspresionisme Abstrak yang tumbuh di Eropa, tepatnya di Perancis, pada tahun 1945 dan berlangsung hingga sekitar akhir tahun 1957. Pada tahun 1946, seorang kritikus seni Perancis Charles Estienne secara resmi menciptakan istilah 'Lyrical Abstraction.' Di Amerika, Abstraksi ini adalah gerakan yang digambarkan oleh Larry Aldrich pada tahun 1969. Nama 'Tachisme' juga digunakan untuk menggambarkan gerakan ini.

o European Lyrical Abstraction: Ketika, pasca Perang Dunia II, Prancis sibuk membangkitkan citranya

hancur karena kolaborasi dan pekerjaan, beberapa pecinta seni memutuskan untuk mengembalikan posisi Paris sebagai pusat seni juga, seperti itu, sampai Perang Dunia. Membawa rencana aksi, beberapa pameran diadakan di Paris. George Mathieu dua pameran "Abstraksi Lyrique" di Paris pada tahun 1947, dan ketika Francis Picabia, pematung Francis Stahly, Georges Mathieu, Michel TapiƩ, dan Camille Bryen, Wols, Hans Hartung, dan Riopelle pada tahun 1948, menyampaikan beberapa tren yang luar biasa di kanvas. Sementara karya-karya George dengan jelas membatasi kesenjangan yang memisahkan Abstraksi Geometri 'dingin' dari tipe abstraksi liris alami 'panas', lukisan-lukisan Wols memiliki pengaruh surealis Prancis, seperti karya grafis yang sangat teliti dan produktif. Lukisan Hartung terfokus pada menetas, melesat, & menyikat, dan kanvas Hartung penuh dengan penghapusan. Lukisan Riopelle di sisi lain, adalah gaya bebas, tanpa konsep atau gagasan yang tetap.

o American Lyrical Abstraction: Tachisme menandai lanskap Amerika selama 1960-an -70an di New York City, Los Angeles, Washington, DC, dan kemudian Toronto dan London. Mulai dari Minimalis hingga Abstrak Ekspresionisme, Lukisan Lapangan Warna, dan Tachisme, Pencerahan Liris menampilkan sapuan longgar, ekspresi spontan, ruang ilusionis, pewarnaan akrilik, proses, pencitraan sesekali, dan teknik melukis yang unik dan baru. Bentuk Abstraksi ini adalah tentang tak terbatas ekspresionisme. Minimalis, Pop Artists, Formalists, dan Geometric Abstractionists tahun 1960-an adalah genre utama para pelukis, yang beralih ke Lyrical Abstraction. Eksperimental, ekspresif, longgar, bergambar, pelukis, dan abstraksi adalah fitur utama Tachisme.

Korelasi

Abstraksi Liris menyerupai Ekspresionisme Abstrak dan lukisan lapangan Warna, terutama dalam penggunaan bebas cat, eksterior, dan tekstur, sehingga sama-sama disikat, disemprot, diwarnai, dituangkan, disiram, dan diperas. Lyrical Abstraction adalah unik dari gaya lukisan lain dari empat puluhan dan lima puluhan, karena kemiringannya terhadap komposisi dan drama. Abstraksi Lirik sangat diidentifikasikan dengan komposisi acak, komposisi rendah, komposisi drama yang damai, dan pengulangan.

Sayangnya, Amerika menerima istilah Tachisme cukup terlambat. Namun pada tahun 1989, almarhum Daniel Robbins, profesor sejarah Union College Art mengenal istilah tersebut dan menekankan bahwa istilah itu harus digunakan, karena memiliki kredibilitas historis.

Lyrical Abstractionists & Works: Beberapa yang terkenal Lyrical Abstractionists adalah James Brooks, Helen Frankenthaler (Pegunungan dan Laut – 1952), Albert Bitran (b. 1931), Arshile Gorky, Pat Lipsky (Spiked Red – 1970), Adolph Gottlieb, Robert Motherwell , John Seery (Timur – 1973), Kenzo Okada, Mark Rothko, Joan Mitchell, Norman Bluhm, John Levee, Ray Parker, Paul Jenkins, Cleve Gray, Jack Bush.

Dasar-dasar Gerakan Dada dalam Seni

No Comments

Dada adalah gerakan artistik dan sastra yang dimulai di Eropa ketika Perang Dunia I berlangsung. Karena perang, banyak seniman, intelektual, dan penulis, terutama yang berasal dari Prancis dan Jerman, pindah ke Swiss, yang merupakan negara netral. Alih-alih lega bahwa mereka telah melarikan diri, para seniman, intelektual dan penulis sangat marah dengan masyarakat modern. Jadi, mereka memutuskan untuk menunjukkan protes mereka melalui medium artistik. Mereka memutuskan untuk menciptakan non-seni karena seni di masyarakat tidak memiliki makna.

Yang disebut non-seniman beralih ke penciptaan seni yang memiliki kata-kata kotor yang lembut, humor yang tersebar, permainan kata-kata yang terlihat dan benda-benda sehari-hari. Lukisan paling kejam diciptakan oleh Marcel Duchamp, ketika ia melukis kumis pada salinan Mona Lisa dan menuliskan kata-kata kotor di bawahnya. Dia juga menciptakan patung yang disebut Fountain, yang sebenarnya adalah urinal tanpa pipa dan memiliki tanda palsu.

Publik dipukul mundur oleh gerakan Dada. Namun, para Dadais menganggap sikap ini membesarkan hati. Dan, perlahan gerakan itu menyebar dari Zurich ke bagian lain Eropa dan Kota New York. Sama seperti banyak seniman arus utama yang memikirkan gerakan ini dengan serius, gerakan Dada larut sekitar awal 1920-an.

Gerakan seni ini adalah protes, tetapi pada saat yang sama ia berhasil menjadi menyenangkan dan menghibur. Itu sarkastis, penuh warna, aneh dan konyol. Jika seseorang pada waktu itu belum menyadari logika di balik gerakan itu, dia pasti bertanya-tanya apa yang diinginkan seniman itu untuk menciptakan potongan-potongan seperti yang diciptakan. Namun, artis yang menciptakan seni Dada sangat serius dengan karyanya. Gerakan itu tidak menguntungkan satu media di atas yang lain. Ini digunakan semuanya mulai dari kaca hingga plester hingga permadani geometris hingga relief kayu. Selain itu, gerakan ini juga bertanggung jawab untuk mempengaruhi banyak tren di bidang seni rupa, yang paling terkenal adalah Surealisme.

Desain & Sejarah Seni – The Psychedelic Movement (CA 1960 – 1970)

No Comments

Pada akhir tahun enam puluhan, sesuatu terjadi pada generasi Amerika yang akan menandai mereka selamanya. Ini adalah kisah perang, perjuangan untuk persamaan ras dan ledakan budaya kontra, itu adalah masa ketika sebuah generasi memberontak, dan kehilangan kepolosannya dalam perang melawan ketidakadilan. Vietnam adalah perang televisi pertama yang disiarkan, dan gambarnya tak terhindarkan.

Satu dekade yang berakhir dengan kekecewaan dan kemarahan mulai dengan nada moral yang tinggi. Terima kasih kepada Rosa Parks dan Martin Luther King jr, tampaknya waktu untuk persamaan ras di AS akhirnya tiba.

Ada begitu banyak hal yang harus ditulis di era ini, bahwa sangat sulit untuk memilih hanya satu hal untuk difokuskan. Meskipun ada sejumlah seni dan desain yang absurd yang berasal dari periode ini. Ketika kita berbicara tentang "enam puluhan" yang tampaknya kita sadari adalah musik, rock dan artis psychedelic seperti Janis Joplin dan Jimmy Hendrix pada khususnya.

Namun, seni album dan poster festival adalah tempat yang baik untuk memulai. Karena musik adalah kekuatan yang harus diperhitungkan, jadi datanglah karya seni album dan desain poster, bergandengan tangan. Satu hal yang tampaknya terjadi kembali dengan sebagian besar seniman visual pada saat itu adalah hubungan dengan "Underground Comix". Ini adalah pers kecil atau buku komik yang diterbitkan sendiri, biasanya relevan secara sosial dan satir di alam mereka. Konten yang digambarkan ini dianggap tidak layak dan dilarang untuk media mainstream yang lebih ketat.

Rick Griffin:

Ketika kami mencari poster band, sulit untuk menghindari menemukan poster Grateful Dead di suatu tempat, di mana saja. Artis di belakang ini adalah Rick Griffin. Dia adalah seorang seniman Amerika dan salah satu desainer terkemuka poster psikedelik di tahun 1960-an. Karyanya dalam subkultur surfing termasuk baik poster film dan strip komiknya, Murphy.

Victor Moscoso:

Seorang seniman Spanyol-Amerika, Moscoso adalah seniman poster rock pertama era 1960-an dengan pelatihan dan pengalaman akademis formal. Setelah belajar seni di Cooper Union di New York dan kemudian belajar di Yale University, dia pindah ke San Francisco pada tahun 1959 untuk belajar di San Francisco Art Institute. Di sini dia kemudian menjadi instruktur. Dia adalah salah satu seniman poster rock pertama yang menggunakan kolase foto dalam karya seninya. Karya seni dan posternya terus berlanjut hingga saat ini dan dia adalah inspirasi besar bagi para ilustrator poster dan album rock hingga hari ini.

Bonnie MacLean:

Artis Amerika lainnya yang membuat nama untuk dirinya saat itu adalah Bonnie MacLean. Dia lahir di Philadelphia dan lulus dari Penn State University pada tahun 1960. Dia kemudian pindah ke New York di mana dia bekerja di Pratt Institute ketika menghadiri kelas menggambar di malam hari. Dia kemudian pindah ke San Francisco di mana dia bertemu dan bekerja dengan seorang pria bernama Bill Graham, yang menjadi terkenal sebagai promotor konser rock di Auditorium Fillmore. Di sana dia bekerja bersama artis lain dengan nama Wes Wilson.

Wes Wilson:

Seniman yang disebutkan di atas, Wes Wilson, juga merupakan salah satu ilustrator terkemuka poster psikedelik di tahun 1960-an. Bekerja dengan Bill Graham dan Bonnie MacLean, dia adalah bagian besar dari mempromosikan tempat pada waktu itu dengan poster dan pekerjaan ilustratif untuk musisi dan band. Huruf dan huruf dari poster-poster dari era ini diciptakan olehnya. Dia mempopulerkan font "psychedelic" ini sekitar tahun 1966 yang membuat surat-surat tampak seperti bergerak atau meleleh. Huruf ini masih digunakan pada album baru dan karya seni untuk seniman seperti Foo Fighters, Kyuss Lives, dan The Queens of the Stone Age. Ini pada gilirannya membuktikan bahwa gerakan psychedelic masih mempengaruhi para seniman, terutama di dunia metal, rock desert dan stoner rock. Gaya ini sangat hidup sebagai pokoknya sendiri.

Gaya poster modern:

Poster yang masih dipengaruhi oleh gaya karya seni dapat dilacak melalui penghormatan dan inspirasi di poster-poster rock dan metal sejak saat ini sepanjang perjalanan kembali ke jaman ini. Beberapa poster modern dapat dilihat di halaman web Malleus Rock Art Lab jika Anda harus tertarik. Saya pribadi menemukan banyak inspirasi melalui citra mereka.

Terima kasih telah membaca.

Pengerjaan Italia: Seni Sekarat dari Tas Kulit Anyaman Italia

No Comments

Penggunaan tas modis tanggal kembali selama berabad-abad. Catherine de Medici secara tidak sengaja mendorong kota kelahirannya Florence ke garis depan pasar kulit ketika ia tiba di Paris pada pertengahan tahun 1500 untuk menikah dengan Raja Prancis Henry II. Dia membawa mas kawinnya dengan kotak kulit buatan tangan yang mulus. Namun, hubungan cinta dengan gaya serta utilitas benar-benar dimulai pada akhir 1800 awal 1900-an dengan perubahan batas waktu, hak-hak perempuan, dan acara di seluruh dunia. Pasar Eropa merespon dengan cepat permintaan mode ini.

Banyak desainer hari modern yang penting membuat debut mereka, dan kreasi inovatif mereka belum memudar dengan berlalunya waktu. Banyak fashionista di seluruh dunia mungkin cukup akrab dengan Bottega Veneta, label desainer utama terkemuka yang memproduksi tas anyaman kulit lembut. Namun, Cosci, secara historis mulai membuat tas anyaman kulit tanda tangan sebelum Bottega Veneta menjadi nama utama dalam mode. Banyak tas semacam itu memiliki gaya anyaman kulit yang sama, dan terlepas dari desain yang sedang digemari, seni menganyam kulit lembut menjadi tas-tas yang megah relatif sama, meskipun jumlah pengrajin yang membuatnya semakin menipis. Desain kulit anyaman adalah bukti garis klasik tas tak lekang oleh waktu. Metode menenun kulit strip, lembut atau kaku, adalah jenis bentuk seni yang perlahan-lahan menjadi punah.

Baru-baru ini, label dan pabrik Cosci telah diakuisisi oleh Gucci Group, perusahaan anak perusahaan PPR yang juga memiliki Bottega Veneta. Namun, sisa stok mereka berisi jenis tas yang pekerjaan pengrajinnya tidak dapat dibuang di pinggir jalan. Keranjang kulit Italia Cosci menenun motif tanggal kembali ratusan tahun ke daerah pesisir Italia timur Macerata, daerah yang juga terkenal dengan produksi sepatu kulit mereka.

Keranjang kulit Italia menerapkan banyak teknik penganyaman keranjang yang tidak ada dalam desain tas anyaman kulit yang lembut. Alih-alih menenun selembar besar kulit, memotongnya, dan menyatukannya ke dalam pola tas, keranjang-keranjang kulit memanfaatkan potongan balok kayu gaya lama untuk menenun tas dari dasar ke atas. Pengrajin menempatkan blok kayu yang sesuai dengan bentuk kantong bawah yang dimaksudkan. Mereka kemudian menggunakan satu paku tipis untuk menempelkan lajur awal kulit pada titik tengah balok kayu, memungkinkan lajur itu untuk diletakkan secara horizontal di pangkal blok. Dari titik itu mereka mulai menenun bagian bawah dengan strip kulit, bergantian antara strip horisontal dan vertikal. Setelah alas telah ditenun, mereka membalik blok ke arah yang benar, dan melanjutkan proses pengeritingan yang erat di sekitar blok sampai mereka mencapai puncak. Tergantung pada gaya tas, strip kulit dimanipulasi untuk membuat lapisan pola anyaman di bagian atas, atau dipotong untuk memungkinkan lapisan yang akan ditambahkan nanti.

Kulit vacchetta yang digunakan untuk menganyam keranjang adalah kulit yang lebih kaku, yang membuat desainnya tidak hanya lebih tahan lama, tetapi juga memberikan kesan nyata pada keranjang jerami. Keranjang kulit datang dalam berbagai desain dan bentuk yang berbeda, serta warna. Mayoritas tas keranjang kulit memiliki drop tali yang memanjang. Panjang tali memanjang memungkinkan tas untuk dipakai sebagai tas atau tas cross-body, pinjaman untuk utilitas serta desain dan fashion.

Jadi pada saat Anda mengambil tas kulit anyaman dari Italia, Anda harus dengan cepat dapat memilih tiga poin kualitas. Jika ini adalah tas kulit nappa, nuansa kulit harus lembut dengan bau non-kimia yang kaya. Hal yang sama berlaku untuk kulit anyaman keranjang, meskipun kulitnya tidak akan lunak. Kedua, cari tanda-tanda dari sebuah jahitan di keranjang tas tenun. Ini adalah indikasi tas yang dibuat mesin. Kulit nappa ditenun dalam lembaran dan dipotong, sehingga tampaknya diperlukan dalam pembangunan tas. Terakhir cari tag "Made in Italy". Tag ini disertai dengan jaminan tertentu bahwa tas tersebut berasal dari tradisi panjang pengrajin kulit.